Soledad Garcia Nannig; Maria Veronica Rossi Valenzuela; Francia Vera Valdes
Dios salve a Francisco el Emperador (Gott erhalte Franz den Kaiser), es una composición del compositor austríaco Franz Joseph Haydn basándose en el texto de Lorenz Leopold Haschka. Fue el himno del Imperio austríaco —conocido como Kaiserhymne o Volkshymne—, incluida la etapa de la monarquía dual austrohúngara, y, originalmente, del Sacro Imperio Romano Germánico en su última etapa.
Descripción
La composición fue publicada en enero de 1797. El 12 de febrero de 1797, el día de cumpleaños del último emperador del Sacro Imperio Romano Germánico Francisco II (futuro Francisco I de Austria), fue cantada por primera vez en su presencia en la Ópera Estatal de Viena (entonces, Teatro de la Ópera de la Corte Imperial y Real de Viena).
Tras 1918, la melodía del himno fue adoptada por el himno alemán, Das Lied der Deutschen, con letra adaptada al país germano (actualmente, esta melodía es más conocida por servir al himno alemán, en sus distintas variaciones, en el último siglo). La melodía también sirvió al himno nacional de la Primera República de Austria (incluida la Austria Alemana) desde finales de la Primera Guerra Mundial, con letra distinta (Sei gesegnet ohne Ende); si bien, el himno alemán volvió a ser himno de Austria tras el Anschluss y durante la Segunda Guerra Mundial. Tras la guerra, Austria, origen de la composición, renunció por completo esta melodía para desvincularse tanto de la época nazi como de la era imperial (con una legislación marcadamente republicana), adoptando el himno actual, Land der Berge, Land am Strome.
El villancico es una forma musical y poética en castellano y portugués, tradicional de España, muy popular entre los siglos XV y XVIII. Los villancicos fueron originarios de las canciones profanas con estribillo, de origen popular y armonizadas a varias voces. Posteriormente se escribió una canción en las iglesias y se asoció con la Navidad. Compositores notables de villancicos fueron, entre otros, Juan del Enzina, Pedro de Escobar, Francisco Guerrero, Gaspar Fernandes y Juan Gutiérrez de Padilla.
Actualmente, tras el declive de la antigua forma del villancico, el término se denomina simplemente un género de la canción cuya letra es referencia a la Navidad y que se canta tradicionalmente en esas fechas
Soledad Garcia Nannig; Maria Veronica Rossi Valenzuela; Francia Vera Valdes
Noche de paz, noche de amor (Stille Nacht, heilige Nacht) es un conocido villancico austriaco compuesto originalmente en alemán por el maestro de escuela y organista austriaco Franz Xaver Gruber, la letra fue realizada por el sacerdote austriaco Joseph Mohr. La música que se interpreta en la actualidad difiere levemente de la original de Gruber, particularmente en las notas finales.
Historia
Fue interpretado por primera vez el 24 de diciembre de 1818 en la iglesia de San Nicolás (Nikolauskirche) de Oberndorf, Austria. La letra había sido compuesta en 1816 por Mohr en la parroquia de Santa María (Mariapfarr), pero en la víspera de Navidad se la llevó a Gruber y le pidió que le hiciera una composición musical y un acompañamiento en guitarra para el servicio de la Iglesia.1
Sobre la composición de la obra hay diferentes versiones. Se le atribuye a Franz Xaver Gruber, pues el mismo Gruber no mencionó los hechos que la inspiraron. De acuerdo a la «Sociedad Noche de Paz» de España, una de las suposiciones es que el órgano de la Iglesia quedó inutilizable y Mohr pidió a Gruber que compusiera una canción que el coro pudiera cantar acompañado sólo por la guitarra. El historiador Manuel Expósito dice que la primera mención del órgano averiado apareció en un libro publicado en Estados Unidos en 1909.
Lo histórico es que en esa primera ocasión, la canción se escuchó acompañada efectivamente sólo por la guitarra e interpretada por Mohr. Otros historiadores creen que lo que Mohr quería simplemente era un nuevo villancico para interpretar con su guitarra. Al respecto, la misma Sociedad Noche de Paz dice que existen "muchas historias románticas y leyendas" que se han ido creando alrededor de la historia de la canción.
La difusión del villancico fuera del ámbito restringido de aquella población parece que comenzó en 1833 gracias a un organista de Fügen en el Zillertal (Austria), de nombre Maurach. Cuando en ese año interpretó junto a otros músicos melodías tirolesas en Leipzig, esta canción fue la que atrajo el interés del público.
La Nilolauskirche fue demolida a principios del siglo XX debido a una inundación que la dañó, y el centro del poblado fue reubicado en un lugar más seguro río arriba con una nueva edificación cercana al nuevo puente. Se edificó una capilla con el nombre de "Stille-Nacht-Gedächtniskapelle" (Capilla Memorial Noche de Paz) en homenaje a la antigua iglesia demolida y cerca del actual museo, que atrae turistas de todo el mundo, especialmente en el mes de diciembre.
El manuscrito original se perdió, pero en 1995 se descubrió un manuscrito original de Mohr y que los analistas dataron hacia el año 1820. Es por medio de ese documento que se descubrió que Mohr compuso la canción en 1816 cuando fue asignado a un peregrinaje a la parroquia de Santa María. También testimonia el documento que el compositor de la melodía es en efecto Gruber y que este la compuso en 1818. Se trata, pues, del más antiguo manuscrito que se tiene sobre la historia de la canción y el único que contiene la letra de Mohr. La composición musical de Gruber tiene influencias de la tradición musical de su región y la melodía guarda relación con aspectos del folclore musical austriaco.
Otra versión popular dice que el villancico, interpretado una vez, fue olvidado pronto hasta que un reparador de órganos lo encontró en 1825 y lo revivió. Sin embargo, Gruber publicó diversos arreglos de este a través de su vida, además del manuscrito encontrado de Mohr de 1820 y que se conserva en el Museo Carolino Augusteum de Salzburgo.
Se presume que el villancico ha sido traducido a más de 300 idiomas en todo el mundo y que es el más popular de todos los tiempos. La cifra puede ser superior, si se tiene en cuenta la acción de misioneros cristianos en los cinco continentes que lo han traducido a innumerables idiomas gracias a la facilidad de su interpretación, su brevedad y que puede ser cantado sin acompañamiento instrumental.
La canción fue cantada simultáneamente en inglés y en alemán durante la Tregua de Navidad de 1914,2 al ser el único villancico conocido por los soldados de ambos frentes.
Fue exitosamente grabada por más de 300 artistas y muy particularmente célebre en versiones de Enya, Stevie Nicks, Bing Crosby y Mahalia Jackson, así como en las instrumentales de Mannheim Steamroller. Existen también versiones muy apreciadas de corales en todo el mundo, entre ellos el célebre coro de los Niños Cantores de Viena.
En 1943 la exiliada austriaca Hertha Pauli escribió el libro "Noche de Paz". Se trata de la historia de una canción en la cual ella explica a los niños estadounidenses el origen del villancico. El libro fue ilustrado por Fritz Kredel y publicado por Alfred A. Knopf.
En 1988 se hizo un documental para televisión que se llamó "Silent Mouse" (Ratón silencioso), en el cual se cuenta la historia del villancico desde el punto de vista de un ratón. La voz narrante es la de Lynn Redgrave, y Gregor Fisher es uno de los personajes principales. En 1993 aparece una versión latinoamericana interpretada en español por Marco T., muy similar a la de Elvis Presley grabada en 1957. En 2011 el grupo italiano Il Volo, formado por los jóvenes Ignazio Boschetto, Piero Barone y Gianluca Ginoble, interpretó esta canción en inglés y en alemán acompañados por los niños cantores del Coro de la Capilla Musical Pontificia Sixtina.
Soledad Garcia Nannig; Maria Veronica Rossi Valenzuela; Francia Vera Valdes
Aegukga es el himno nacional de Corea del Sur. Su título significa Canción de amor para el país o La canción patriótica
Se cree que la letra fue escrita hacia 1900 por Yun Chi-ho, un político, o por Ahn Chang-ho, un líder independentista y educador. Inicialmente, el Aegukga se cantaba con la música de la canción tradicional escocesa Auld Lang Syne. Durante la ocupación japonesa de Corea la canción fue prohibida, pero los coreanos en el exterior la seguían cantando, expresando sus deseos de independencia nacional.
En 1937 Ahn Eak-tae, un reconocido músico coreano radicado en España, compuso la música para el Aegukga. Su obra fue oficialmente adoptada por el Gobierno Provisional de la República de Corea (1919-1945) con sede en Shanghai, China.
El Aegukga fue cantado en una ceremonia celebrando la fundación de la República de Corea el 15 de agosto de 1948, tres años después de la liberación del régimen japonés y adoptado el mismo año. Traducción al español
1.
Hasta que el Mar del Este se seque y el monte Baekdu se desgaste
Que Dios nos guarde, que viva Corea.
2.
Como un pino del monte Nam
Resistiendo tormentas y heladas, que así sea nuestro espíritu.
3.
Cielo abarcante de otoño, alto y claro
La luna radiando en nuestros corazónes, único y confiable.
4.
En alegría y sufrimiento, amaremos a la patria
con nuestro espíritu y nuestro corazón.
Coro
Bellos ríos y montañas seguidos por rosas de siria
Coreanos, que se mantenga vivo nuestro camino.
Eaktay Ahn, la vida de película del olvidado coreano que triunfó en el Liceu.
El músico y compositor, autor del himno de su país, fundó la Orquesta Sinfónica de Mallorca y murió en Barcelona en la cima de su carrera
Antes, se convirtió en una figura mundial marcada por la turbulenta época histórica que le tocó vivir
Leonor Ahn, en su casa de Palma. / GUILLEM BOSCH
Daniel G. Sastre
06 ENE 2024
Entre las glorias artísticas mundiales que eligieron Mallorca para descansar por un tiempo –Frédéric Chopin y George Sand, Rubén Darío, Albert Camus- o para instalarse definitivamente, como Robert Graves, a menudo se olvida el nombre de Eaktay Ahn. Pero este músico y compositor, autor del himno de su país, Corea del Sur, tiene una estrecha vinculación con la isla, que hace unos años lo nombró hijo adoptivo, y también con Barcelona: dirigió la Orquesta Sinfónica del Liceu en los años 40 del siglo pasado y murió en los 60 capital catalana. Quizás porque su actividad principal se desarrolló en plena Segunda Guerra Mundial y en los primeros años del franquismo, en la ciudad apenas se le ha recordado.
En Palma, donde Eaktay Ahn vivió sus últimos años, tiene incluso un monumento en su honor, en el céntrico paseo del Born. “En Barcelona no se le ha hecho ningún homenaje. Antes de que se quemara el Liceu estaba Biel Moll, amigo nuestro, haciendo una recopilación de todos los conciertos que había hecho papá allí. Pero se perdió todo cuando se quemó”, afirma Leonor Ahn, hija menor de las tres que tuvo el compositor.
Con Walt Disney y el abuelo de Rafa Nadal
Y sin embargo Eaktay Ahn –también conocido como Ahn Eak-tai, según la onomástica coreana, que pone el apellido patronímico por delante, o Ekitai Ahn, como firmaba él en sus últimos años, ateniéndose a la pronunciación de su nombre en España- tuvo una vida de película. Como el Zelig de Woody Allen, o como una versión docta del Forrest Gump que interpretó Tom Hanks, fue de esas personas que parecen tener un imán para atraer los acontecimientos históricos de su época. En su caso, tras estudiar en Japón poco después de que ese país inciara su dominación sobre Corea, viajó a Estados Unidos y trabajó junto a Leopold Stokowski a las órdenes de Walt Disney para la película ‘Fantasía’; recaló en la Alemania nazi, donde vivió los Juegos de 1936 en Berlín y fue discípulo de Richard Strauss; y en el final de su vida incluso tuvo como ayudante al abuelo del tenista Rafa Nadal. “Era su mano derecha en Manacor”, dice Leonor Ahn.
Leonor Ahn, en su casa de Palma. / GUILEM BOSCH
La casa familiar en Son Matet -un privilegiado enclave en la costa palmesana, cerca de Portopí y el castillo de Bellver, y de Marivent- da cuenta de todas estas relaciones. Y de muchas más, porque, desde que el gobierno coreano la compró y la reformó, en 2016, acoge una especie de museo de la vida de Eaktai Ahn, con multitud de recuerdos. Entre ellos, la servilleta dedicada donde Disney le dibujó un Pato Donald tocando el violín, o los programas de los conciertos que dirigió en el Liceu. De hecho, esa titularidad pública hace que la casa esté formalmente abierta a los coreanos que quieran visitarla. “Pero no vienen muchos”, afirma Leonor Ahn, que vive en la construcción de dos pisos, coqueta pero de techos altísimos, donde el músico compuso algunas de sus obras. “Casa del maestro Eaktay Ahn”, avisa una placa en coreano en la puerta.
Una casa convertida en museo
“Algunos sí vienen, pero a la mayoría se ve que les da cosa molestarme, y se van al monumento que hay en el Born. A mí me va bien que vengan los que quieran; la semana pasada estuvo aquí el embajador coreano”, añade Leonor Ahn en la conversación que mantuvo con este diario, justo antes del cambio de año.
La relación del maestro Ahn con Barcelona no se circunscribe al Liceu, sino que va mucho más allá y se adentra de lleno en lo personal. En la capital catalana conoció a su esposa, Lolita Talavera, al principio de la década de los 40, tras un concierto. “La familia de mi madre vivía cerca del Roxy, que estaba en la plaza Lesseps. Eran admiradores de Strauss, y fueron a ver a mi padre al Liceu, con su grupo de amigos. A él le interesaba que alguien le tradujera al inglés las críticas de sus conciertos que publicaba la prensa, y mi madre dijo que podía hacerlo. Ahí empezó la amistad: se veían cada vez que él iba a Barcelona. Y algunos años después, en 1945, mi madre se había enamorado, y se hizo todo a lo antiguo. Papá y mi abuelo tuvieron unas conversaciones, y mi padre sacó la agenda y dijo: ‘Bueno, yo tengo libre tales fechas para casarme’”, cuenta Leonor Ahn. La boda se celebró el 5 de julio de 1946 en la iglesia de los Jesuitas de la calle Casp de Barcelona.
Barcelona fue también, contrariamente a lo que dicen las biografías que pueden hallarse en internet –y el libro ‘Mallorca i Eaktay Ahn’, de Lolita Talavera, editado por el Ayuntamiento de Palma-, la ciudad donde murió, en 1965, por una dolencia en el hígado. Volvía de Londres, donde había dirigido con gran éxito una serie de conciertos en el Royal Albert Hall, durante los cuales ya se sintió enfermo. A su regreso a Mallorca, los médicos le dijeron que no había nada que hacer. “En aquella época aún era imposible el trasplante. Y él dijo que quería ir a Barcelona, yo creo que para que mi madre estuviera con su familia. Fue en ambulancia hasta el avión, y murió a los dos días de llegar”, recuerda su hija.
Patriota coreano con pasaporte japonés
Cuando recaló en Barcelona, Ahn ya era un músico de extraordinario prestigio internacional. Nacido en 1906 en Pyongyang, hoy capital de Corea del Norte, completó sus estudios musicales en Japón cuando ya era potencia ocupante de su país. “En aquellos tiempos, Japón era el lugar más barato donde estudiar, y allí Ahn tocó el 'cello' y también estudió composición”, recuerda el profesor Andrei Lankov, experto en Asia, en un artículo en ‘The Korea Times’. Pero su ambición profesional llevó a Ahn primero a Estados Unidos, donde ganó un puesto en la Orquesta Sinfónica de Cincinnati incluso antes de graduarse, y después a Europa Central.
Foto de Eaktay Ahn y Prieto Mascagni, compositor de 'Caballería Rusticiana'. / GUILLEM BOSCH
En la época nazi estudió en Munich y en Viena. El pasaporte japonés que tenía en ese momento no impidió que, durante los Juegos Olímpicos de Berlín de 1936, enseñara a sus compatriotas coreanos desplazados a participar en la competición la música que había compuesto para el himno, que se convirtió en un éxito instantáneo. Ya en esos Juegos se cantó entre los atletas justo al lado del estadio olímpico, por ejemplo para celebrar la medalla de oro que Son Ki-chong obtuvo en el maratón. En 1948 el Aegukga con la música de Ahn se convirtió en el himno oficial de Corea del Sur.
Pero lo crucial de esta parte de su vida es su relación con Richard Strauss. El compositor reconoció enseguida el talento de Ahn, lo aceptó como discípulo y lo introdujo en alguna medida en su círculo. Eso significa que el músico coreano alternó en esa época con escritores como Stefan Zweig. De la mano de Strauss, al que Hitler nombró en 1933 director de la Cámara de Música del III Reich, viajó también por la Europa de la época. Trabajó “con los mejores músicos” en Francia, en Hungría y en Italia, recuerda su hija. Y después llegó a la España franquista.
Marcado como Strauss
El sacerdote y compositor Antonio Massana, que le había casado en Barcelona y tenía una estrecha amistad con él, fue quien le habló de Mallorca. “Al padre Massana, que tenía mucha relación con Mallorca, fueron a buscarlo unos mallorquines ilustres para preguntarle si conocía a alguien que pudiera fundar la Orquesta Sinfónica de Mallorca. Y dijo que sí, que tenía un gran amigo coreano que no tenía trabajo en ese momento, porque claro, papá, al ser discípulo de Strauss, estaba marcado, como Strauss estuvo marcado”, explica Leonor Ahn. Y así se inició la relación de Eaktay Ahn con la isla, donde ya residió hasta su muerte.
Pese a que una asociación nacionalista coreana lo incluyó en 2008 en una lista de colaboradores de los japoneses –el nombre de Eaktay Ahn apareció como director de un concierto en conmemoración del décimo aniversario de Manchukuo, el Estado títere que Japón estableció en el nordeste de China entre 1932 y 1945-, hay numerosas pruebas de su patriotismo coreano y de su oposición incluso activa a la ocupación de su país. Además de componer la música del himno, Ahn “recibió el pasaporte número 1” del nuevo estado coreano cuando recobró su independencia, en 1948. Después de la guerra, mientras estaba en Barcelona, el compositor se había negado a viajar con el pasaporte japonés. “Se había convertido en un apátrida”, dice su hija.
“Para Ahn, la colaboración era más bien una cuestión de conveniencia”, asegura también el profesor Lankov. Para un músico de la proyección de Ahn, “la única manera de encontrar una audiencia adecuada era actuar en el extranjero, y eso implicaría un nivel de colaboración con el Japón imperial”. Y añade: “A principios de la década de 1940, casi todos los intelectuales coreanos destacados, incluidos aquellos con credenciales nacionalistas hasta entonces impecables, colaboraban con las autoridades coloniales japonesas. En todo caso, Ahn fue mucho menos prominente en tales actividades que otras estrellas de las artes coreanas de la época”.
Soledad Garcia Nannig; Maria Veronica Rossi Valenzuela; Francia Vera Valdes
Jeanette Anne Kristof (nacida Janette Anne Dimech; Londres, Inglaterra, 10 de octubre de 1951) más conocida como Jeanette, es una cantante y compositora hispanobritánica. Se dio a conocer a finales de la década de 1960.
Su infancia se desarrolló en Inglaterra y Estados Unidos, y ya siendo adolescente se asentó en España. A mediados de los sesenta conoció a un grupo de jóvenes apegados a la música y junto a ellos formó el grupo musical Pic-Nic quienes fueron contratados por la discográfica Hispavox después de una audición en una radio local. Con este grupo lanzó «Cállate, niña», canción que lideró la lista musical española durante siete semanas. Pese a su éxito Pic-Nic se disuelve por presión de su madre.
En 1971 retorna como solista a insistencia de Hispavox que lanza su primer sencillo «Soy rebelde». La canción definió su carrera como baladista y amplió su fama en países de habla hispana. Continuó publicando una serie de EP de mediana popularidad hasta que en 1976 «Porque te vas» (lanzado en 1974) fue difundido en la película Cría cuervos de Carlos Saura. Esta canción se ubicó en las listas musicales de toda Europa y encabezó las de países como Alemania y Francia. En esos años firmó para la discográfica alemana Ariola con la cual grabó en Francia un álbum musical e inclinó su carrera a la música disco.
En 1980 firmó para RCA (filial de España). Esta discográfica la contactó con Manuel Alejandro quien le produjo Corazón de poeta (1981). El álbum la llevó a la cima de su carrera musical5 con altas ventas en España, México, Centro y Sudamérica. Jeanette grabó dos álbumes más que la mantuvieron en la escena musical. Algunas canciones que destacaron fueron:
«Frente a frente», «Corazón de poeta», «El muchacho de los ojos tristes», «Con qué derecho» y «Amiga mía».
Tras una pausa en su carrera Jeanette regresó con el disco Loca por la música (1989).6 Desde 1992 hace tributos musicales con el grupo Mágicos 60 y en 2004 cambiaron de nombre a Míticos 70.
En 1982 la revista Billboard le otorgó el premio Billboard en español. En 2012 la revista Rolling Stone incluyó una de sus canciones entre Las 200 Mejores Canciones del Pop-Rock Español. Algunas figuras del medio musical han hecho versiones propias de sus temas como Rocío Jurado, Masterboy, Enrique Bunbury, Juan Bau, Chayanne, Pandora, Yuri, Albert Pla o José Luis Perales, quien le compuso la canción Porque te vas, y otros.
Frente A Frente
Jeanette
Queda que poco queda
de nuestro amor apenas queda nada
apenas mil palabras, quedan
queda sólo el silencio
que hace estallar la noche fría y larga
la noche que no acaba
sólo eso queda
Sólo quedan las ganas de llorar
al ver que nuestro amor se aleja
frente a frente bajamos la mirada
pues ya no queda nada de que hablar, nada
Sólo quedan las ganas de llorar
al ver que nuestro amor se aleja
frente a frente bajamos la mirada
pues ya no queda nada de que hablar, nada
Queda poca ternura
y alguna vez haciendo una locura
un beso y a la fuerza, queda
queda un gesto amable
para no hacer la vida insoportable
y asi ahogar las penas
sólo eso queda
Sólo quedan las ganas de llorar
al ver que nuestro amor se aleja
frente a frente bajamos la mirada
pues ya no queda nada de que hablar, nada
Sólo quedan las ganas de llorar
al ver que nuestro amor se aleja
frente a frente bajamos la mirada
pues ya no queda nada de que hablar, nada
Hoy en mi ventana brilla el sol
Y un corazón se pone triste
Contemplando la ciudad
Porque te vas
Como en cada noche desperté
Pensando en ti
Y en mi reloj todas las horas vi pasar
Porque te vas
Todas las promesas de mi amor se Irán contigo
Me olvidarás, me olvidarás
Junto a la estación yo lloraré igual que un niño
Porque te vas, porque te vas, porque te vas, porque te vas
Bajo la penumbra de un farol se dormirán
Todas las cosas que quedaron por decir, se dormirán
Junto a las manillas de un reloj esperarán
Todas las horas que quedaron por vivir, esperarán
Todas las promesas de mi amor se Irán contigo
Me olvidarás, me olvidarás
Junto a la estación yo lloraré igual que un niño
Porque te vas, porque te vas, porque te vas, por que te vas
How to say goodbye
Leaving isn't quite the same, he said to me,
As running away
If you're scared or tired of what you're scared of
Well, why should you stay?
He loved to say goodbye
And always counted out the time
Until he was free, to get up and leave
To learn how to breath
Again
Slipping out to have a cigarette with someone else that he'd never met
Ask her if by the way would she like to run away
And try to forget?
Or just not to stay, to leave without saying why
To get up and go
To catch the last train
To get in some car
And drive out again
To never come back this way....
And have to say....
Goodbye
Soledad Garcia Nannig; Maria Veronica Rossi Valenzuela; Francia Vera Valdes
El Himno Partido Bolchevique, claramente perteneciente como su nombre indica al Partido Bolchevique o Partido Comunista de la Unión Soviética, fue el himno oficial del partido entre 1944 y 1953, para acabar siendo sustituido por la canción patriótica Lenin es joven de nuevo.
El himno poseía la misma melodia que el Himno de la Unión Soviética, pero con una letra totalmente distinta, en la que únicamente se mencionaba a los miembros del Partido Comunista de la Unión Soviética junto con Lenin y Stalin, más tarde durante la desestalinizacion, el Partido Comunista de la Unión Soviética elige como nuevo himno del partido Lenin es joven de nuevo.
Letra del Himno
Niños libres de un estado sin precedentes
hoy cantamos orgullosos nuestra canción
sobre el partido mas poderoso del mundo
sobre nuestros hombres mas fantasticos de siempre
ESTRIBILLO
Envuelto en gloria, soldado con voluntad
crece fuerte y vive por la eternidad
Partido de Lenin
Partido de Stalin
Querido partido de Bolcheviques
---
Tu creaste un pais en nuestra tierra desde el Kremlin, la madre patria para el pueblo libre
nuestro estado soviético se mantiene firme como una roca, nacido de tu poder y tu verdad
ESTRIBILLO
Envuelto en gloria, soldado con voluntad
crece fuerte y vive por la eternidad
Partido de Lenin
Partido de Stalin
Querido partido de Bolcheviques
---
Desde manzanas podridas a mansos traidores
tu los limpiaste de tu camino con una mano formidable
eres el orgullo, eres la sabiduria, el corazon y la conciencia del pueblo
ESTRIBILLO
Envuelto en gloria, soldado con voluntad
crece fuerte y vive por la eternidad
Partido de Lenin
Partido de Stalin
Querido partido de Bolcheviques
---
El chispeante ingenio de Marx y Engles visiono el futuro y el alzamiento de la comuna
Lenin nos puso el camino a la libertad y el gran Stalin nos guia a traves de el
Soledad Garcia Nannig; Maria Veronica Rossi Valenzuela; Francia Vera Valdes
Letras
Should auld acquaintance be forgot,
and never brought to mind?
Should auld acquaintance be forgot,
and auld lang syne?
For auld lang syne, my jo,
for auld lang syne,
we’ll tak a cup o’ kindness yet,
for auld lang syne.
And surely ye’ll be your pint-stowp!
and surely I’ll be mine!
And we’ll tak a cup o’ kindness yet,
for auld lang syne.
We twa hae run about the braes,
and pu’d the gowans fine;
But we’ve wander’d mony a weary foot,
sin auld lang syne.
We twa hae paidl’d i' the burn,
frae morning sun till dine;
But seas between us braid hae roar’d
sin auld lang syne.
And there’s a hand, my trusty fiere!
and gie's a hand o’ thine!
And we’ll tak a right gude-willy waught,
for auld lang syne.
For auld lang syne, my jo,
for auld lang syne,
we’ll tak a cup o’ kindness yet,
for auld lang syne.
And surely ye’ll be your pint-stowp!
and surely I’ll be mine!
And we’ll tak a cup o’ kindness yet,
for auld lang syne.
Soledad Garcia Nannig; Maria Veronica Rossi Valenzuela; Francia Vera Valdes
Himno de corea del norte
Aegukka es el himno nacional de Corea del Norte. Antes de la división de la península coreana, el himno era el que utiliza actualmente Corea del Sur.
El Gobierno provisional de la República de Corea (1919-1945) en Shanghai adoptó como su himno nacional Aegukga (Que tiene el mismo nombre, pero con diferente romanización). Después de la Segunda Guerra Mundial, Corea del sur mantuvo la letra, pero cambió la música a la de "Auld Lang Syne", canción típica de Escocia, mientras que Corea del Norte adoptó una nueva pieza escrita en 1947.
La letra y la música fue compuesta por Kim Wongyum (1917–2002).
Letra
Transliteración de McCune-Reischauer
Traducción al castellano
Ach'imŭn pich'nara i kangsan
ungume chawondo kadŭkhan
Samch'ŏli arŭmdarun nae choguk
pandannyŏn olaen ryŏsaae
ch'anranhan munhwalo charanan
sŭlkgiron inminŭi i yŏnggwang
momkwa mam da pach'yŏ i Chosŏn
kiri piddŭsae
Paektusan kisangŭl da anko
Kŭnroŭi chŏngsinŭn kisdŭrŏ
Chinliro mungch'yŏjin ŏksen ttŭt
On segye ap'sŏ nagari
Sonnŭn him nododo naemirŏ
Inminŭi ttŭsŭro sŏn nara
Hanŏpsi puganghanŭn i Chosŏn
Kiri piddŭsae
Sonnŭn him nododo naemirŏ
Inminŭi ttŭsŭro sŏn nara
Hanŏpsi puganghanŭn i Chosŏn
Kiri piddŭsae
Rutila el sol en la Patria,
que es toda fuente de mineral;
tres mil ri de hermosa tierra,
años cinco mil tú tienes ya.
Tu pueblo es glorioso, lúcido,
de gran cultura que es secular.
Te apoyamos unánimes,
Corea, como pedestal.
Tu pueblo es glorioso, lúcido,
de gran cultura que es secular.
Te apoyamos unánimes,
Corea, como pedestal.
En pie, con alma de Baektusan,
Ardemos de celo laboral.
Con la verdad en bloque iremos,
Como ejemplo de la humanidad,
El pueblo, con la misma voluntad,
en dura lucha te puso en pie.
Te daremos gloria secular,
Corea, próspera serás,
El pueblo, con la misma voluntad,
en dura lucha te puso en pie.
Te daremos gloria secular,
Corea, próspera serás.
La canción nacional de corea del norte, y su ultima modificacion
El himno nacional de Corea del Norte se titula "Aegukka" (애국가), que se traduce literalmente como "Canción del patriotismo" o "Himno a la patria". Fue adoptado oficialmente en 1947, con letra de Pak Seyong y música de Kim Won-gyun.
Última modificación importante
La modificación más relevante y reciente se produjo a inicios de 2024, en el contexto de la nueva política de Corea del Norte de abandonar el objetivo de la reunificación pacífica con el Sur.
El cambio: Se eliminó la referencia geográfica "sam-cheon-ri" (삼천리, que significa "tres mil ri"), un término tradicional que describe la extensión de toda la península coreana. Esta expresión era compartida con el himno nacional de Corea del Sur, simbolizando la unidad cultural y geográfica de ambos países.
La sustitución: En la versión actualizada, la letra fue cambiada por la frase "i se-sang" (이 세상), que significa "este mundo".
Contexto: Este ajuste forma parte de una campaña sistemática emprendida por Kim Jong-un para borrar cualquier rastro de la idea de una península unificada, redefiniendo a Corea del Sur como el "principal enemigo" y principal estado hostil. Reddit
Nota adicional: Es importante no confundir el himno nacional ("Aegukka") con otras canciones de culto a la personalidad. En los últimos años, el régimen ha promovido canciones específicas dedicadas a ensalzar la figura de Kim Jong-un (como "Canción del padre amigable" o Friendly Father), las cuales se interpretan frecuentemente en eventos públicos, pero no han reemplazado al himno nacional oficial.
Describe la letra actual actualizado
La letra del himno nacional de Corea del Norte, el "Aegukka", fue modificada oficialmente en 2024 para reflejar la ruptura total con la idea de una península unificada.
El cambio principal se encuentra en la tercera línea de la primera estrofa, donde se eliminó la referencia a "Samcheon-ri" (tres mil ri), una unidad de medida tradicional que abarca toda la península coreana. En su lugar, se introdujo el término "I se-sang" (este mundo).
Aquí tienes la letra en coreano (Hangul) y su traducción al español:
Letra Actual (Versión 2024)
Primera Estrofa:
아침은 빛나라 이 강산
은금에 자원도 가득한
이 세상 아름다운 내 조국
반만년 오랜 역사에
찬란한 문화로 자라난
슬기론 인민의 이 영광
몸과 맘 다 바쳐 이 조선 길이 받드세
Traducción al español:
Que el brillo de la mañana ilumine este río y montaña,
lleno de tesoros de plata y oro.
Este mundo, mi hermosa patria,
con su historia de cinco milenios,
cultivada por una cultura brillante,
esta es la gloria del pueblo sabio.
Dediquemos cuerpo y alma para sostener a esta Corea por siempre.
Segunda Estrofa:
백두산 기상을 다 안고
근로의 정신은 깃들어
진리로 뭉쳐진 억센 뜻
온 세계 앞서 나가리
솟는 힘 노도도 내밀어
인민의 뜻으로 선 나라
한없이 부강하는 이 조선 길이 빛내세
Traducción al español:
Abrazando el espíritu del Monte Paektu,
donde reside el espíritu del trabajo,
una voluntad inquebrantable unida por la verdad,
avanzaremos ante todo el mundo.
Con una fuerza ascendente que surge como olas furiosas,
un país erigido por la voluntad del pueblo,
hagamos brillar por siempre a esta Corea, inmensamente rica y fuerte.
Cambios clave para identificar la versión:
Antes de 2024: La frase original era Samcheon-ri (삼천리), que celebraba la geografía unificada de la península.
A partir de 2024: La frase es I se-sang (이 세상), que elimina cualquier connotación de unidad con el Sur, reforzando la postura del régimen de que Corea del Norte es un Estado soberano separado y hostil hacia su vecino.
Que piensan en sur.
En Corea del Sur, la reacción ante estos cambios en el himno norcoreano y la retórica de Pyongyang ha sido de preocupación, cautela y una reafirmación de su propia postura constitucional.
Aquí te detallo cómo se interpreta esta situación al otro lado de la frontera:
1. Interpretación política: El fin de la "identidad compartida"
Para el gobierno y los analistas surcoreanos, la modificación del himno no es un evento aislado, sino la confirmación oficial de que el Norte ha abandonado el objetivo de la reunificación.
Formalización de la hostilidad: En Seúl, ven este movimiento como la culminación de la nueva política de Kim Jong-un, que ahora define a Corea del Sur no como un hermano separado por la historia, sino como un "estado principal enemigo".
Adiós a la historia común: Al eliminar términos como sam-cheon-ri (que ambos países compartían como símbolo de la unidad territorial), Pyongyang está intentando borrar la idea de que existe una sola nación coreana. Los expertos surcoreanos consideran que esto busca blindar al régimen contra influencias externas, intentando crear una identidad nacional norcoreana estrictamente separada y autosuficiente.
2. Respuesta gubernamental
El gobierno surcoreano, a través de su Ministerio de Unificación y otras instancias, ha mantenido una postura firme:
Compromiso con la paz: A pesar de las provocaciones y los cambios constitucionales del Norte, el ejecutivo de Seúl (bajo la administración actual) ha manifestado que seguirá promoviendo la "coexistencia pacífica" y que no renunciará a su compromiso constitucional de buscar la reunificación, aunque sea a largo plazo.
Observación estratégica: Seúl ve estos cambios como una señal de que el régimen del Norte está bajo una gran presión interna y necesita justificar el aumento de su gasto militar presentando al Sur como una amenaza existencial permanente.
3. Opinión pública y sociedad
La sociedad surcoreana vive esta situación con una mezcla de fatiga y tensión:
Polarización: Existe un debate interno sobre cómo manejar la relación con el Norte. Algunos sectores abogan por una postura más conciliadora, mientras que otros exigen una respuesta de seguridad mucho más dura ante lo que consideran un peligro inminente y una traición a la historia común.
Guerra de propaganda: La respuesta del Sur ante la escalada retórica del Norte (y sus envíos de basura en globos) ha sido revivir la "guerra de altavoces" en la frontera, transmitiendo noticias, música K-pop y mensajes que contrastan la realidad de ambos países, algo que al régimen norcoreano le resulta particularmente intolerable porque desafía su control informativo.
En resumen: Para Corea del Sur, el cambio en el himno es un síntoma de un quiebre profundo y deliberado. Mientras el Norte intenta reescribir su historia para separarse definitivamente, el Sur se aferra a la idea de que la península sigue siendo, cultural y geográficamente, una sola, aunque el panorama político actual sea más sombrío que en décadas anteriores.
Soledad Garcia Nannig; Maria Veronica Rossi Valenzuela; Francia Vera Valdes
LETRA MEDITERRÁNEO
Quizás porque mi niñez
sigue jugando en tu playa
y escondido tras las cañas
duerme mi primer amor,
llevo tu luz y tu olor
por dondequiera que vaya,
y amontonado en tu arena
guardo amor, juegos y penas.
Yo, que en la piel tengo el sabor
amargo del llanto eterno
que han vertido en ti cien pueblos
de algeciras a estambul
para que pintes de azul
sus largas noches de invierno.
a fuerza de desventuras,
tu alma es profunda y oscura.
A tus atardeceres rojos
se acostumbraron mis ojos
como el recodo al camino.
soy cantor, soy embustero,
me gusta el juego y el vino,
tengo alma de marinero.
qué le voy a hacer, si yo
nací en el mediterráneo.
Y te acercas, y te vas
después de besar mi aldea.
jugando con la marea
te vas, pensando en volver.
eres como una mujer
perfumadita de brea
que se añora y que se quiere
que se conoce y se teme.
Ay, si un día para mi mal
viene a buscarme la parca.
empujad al mar mi barca
con un levante otoñal
y dejad que el temporal
desguace sus alas blancas.
Y a mí enterradme sin duelo
entre la playa y el cielo...
En la ladera de un monte,
más alto que el horizonte.
quiero tener buena vista.
mi cuerpo será camino,
le daré verde a los pinos
y amarillo a la genista.
Cerca del mar. porque yo
nací en el mediterráneo.
Soledad Garcia Nannig; Maria Veronica Rossi Valenzuela; Francia Vera Valdes
New York, New York es una canción compuesta por John Kander y Fred Ebb —autores también conocidos por su versión musical de la novela El beso de la mujer araña— en 1977 para la película homónima de Martin Scorsese, donde fue interpretada por Liza Minnelli. Este filme no obtuvo el éxito de taquilla esperado; sin embargo, la canción adquirió fama internacional tres años después con la versión de Frank Sinatra. Su letra, de tono entusiasta, expresa los deseos de triunfar «en la ciudad que nunca duerme».
Soledad Garcia Nannig; Maria Veronica Rossi Valenzuela; Francia Vera Valdes
Una vista aérea del Palacio Real de Aranjuez y sus jardines, inspiración del Concierto de Aranjuez.
El Concierto de Aranjuez es una composición musical para guitarra y orquesta (cfr. concierto para guitarra y orquesta) del compositor español Joaquín Rodrigo. Escrito en 1939, es el trabajo más conocido de Joaquín Rodrigo y su éxito establece la reputación de dicho compositor como uno de los principales de la posguerra española. Su adagio es singularmente popular, habiendo sido cantado por múltiples figuras de la ópera y la canción melódica.
Historia
Fue escrito a principios de 1939 en París, lejos del ambiente tenso de España por las últimas etapas de la Guerra Civil y cerca de la agitación europea antes de la Segunda Guerra Mundial.
Se trata de la primera obra escrita por Rodrigo para guitarra y orquesta. La orquestación es única: rara vez el sonido de la guitarra se confronta con toda una orquesta. Sin embargo, la guitarra nunca queda diluida en este concierto, sino que el solo del instrumento destaca en todo momento.
El estreno mundial se produjo el 9 de noviembre de 1940, en el Palacio de la Música Catalana de Barcelona, con un programa que constaba de obras de Dvořák, del propio Rodrigo, de J. S. Bach, de Sor, de Tárrega y de A. Casella. El guitarrista era Regino Sáinz de la Maza, acompañado por la Orquesta Filarmónica de Barcelona dirigida por César Mendoza Lasalle. Es el primer concierto para guitarra y orquesta de la historia de la música española del siglo XX.
El estreno en Madrid fue el 11 de diciembre de 1940 en el Teatro Español, con dirección de Jesús Arámbarri, y con la guitarra del mismo Sainz de la Maza. La Literaria Sociedad General de Autores de España publicó la partitura en 1949.
Contexto político
Una obra estrenada en España en 1940, sobre un tema español, tuvo que celebrar (o fingir celebrar o permitir la interpretación de que celebraba) la situación política vigente (la dictadura del general Francisco Franco). La celebración de un palacio y jardines de un rey habsburgo, del siglo XVI no corría el riesgo de afrentar al régimen, al fondo monárquico, y armonizó con la política, entonces todavía formándose, de celebrar el pasado español, sobre todo el anterior a la Institución Libre de Enseñanza.
Movimientos
El concierto está dividido en tres movimientos: Allegro con spirito, Adagio y Allegro gentile.
El segundo movimiento, el más conocido de los tres, es conocido por su tiempo lento y su melodía intimista, introducidos por el corno inglés, con un acompañamiento suave de la guitarra, y con progresiones. Una sensación de tristeza impregna esa parte del concierto. La ornamentación se añade poco a poco a la misma melodía del principio. Un trino de la guitarra constituye la primera manifestación de la tensión que hay en ese movimiento, que crece y se arraiga, pero se relaja periódicamente mediante el regreso a la melodía principal. Tras volver a ella, molto appassionato, con progresiones y con acompañamiento de la sección de la madera, llega el final, que es una resolución en un arpegio tranquilo de la guitarra, aunque son más bien las progresiones las que llevan a cabo esa resolución.
En el tercer movimiento, se alternan los compases de 2/4 y 3/4.
Inspiración
El Concierto de Aranjuez fue escrito en París, para reflejar a los jardines del Palacio Real de Aranjuez, la residencia primaveral del rey Felipe II en la segunda mitad del siglo XVI, reconstruido por Fernando VI a mediados del siglo XVIII.
La obra intenta transmitir al oyente los sonidos de la naturaleza de otro lugar y de otro tiempo. Las notas melancólicas de los movimientos primero y segundo evocan, según algunos escritores y poetas,[¿según quién?] la última vez en la que Boabdil vio a su amada Alhambra antes de irse a Marruecos. Otros autores hacen referencia a las tristes y hermosas notas como recordatorio de los trágicos sucesos de la guerra civil española.
Según el compositor,[cita requerida] el primer movimiento está «animado por un espíritu rítmico y un vigor sin ninguno de los dos temas... interrumpiendo su implacable ritmo». El 2.º movimiento «representa un diálogo entre la guitarra y los instrumentos de solo» (corno inglés, fagot, oboe, trompa), mientras que el último movimiento «recuerda un baile formal en el que la combinación de un ritmo doble y triple mantiene un tempo tenso próximo a la barra próxima». Describe el concierto el músico como la captura de «la fragancia de magnolias, el canto de los pájaros y el chorro de las fuentes» de los jardines de Aranjuez.
Por lo que contó su autor, el origen de la obra fue el siguiente: Él y su esposa desde 1933, la pianista turca Victoria Kamhi, pasaron su luna de miel en Aranjuez, y de ahí el nombre del concierto. Un tiempo después se fueron a Alemania. Allí esperaban tener a su primer hijo. El niño nació muerto, y Victoria estuvo a punto de morir.
En el segundo movimiento, Joaquín cuestiona a Dios por el aborto espontáneo que ha tenido su esposa, y pide que ella viva. Lo expresa mediante el pulso de la guitarra (al comienzo del segundo movimiento), que representa un corazón latiendo. El movimiento tiene pena, rabia y desesperanza. Al final, en el clímax de la guitarra y la orquesta, el autor «oye a Dios» y por fin se produce la aceptación del hecho y la paz del autor.
Interpretaciones
Un gran número de músicos ha reinterpretado la obra; entre ellos, Miles Davis, con el adaptador Gil Evans. En los comentarios del álbum Sketches of Spain, se lee que dice Davis:
«Esa melodía es tan fuerte que, cuanto más suave se toque, más fuerte se vuelve, y cuanto más fuerte se toque, más débil se vuelve».
La pieza fue una de las obras elegidas en el programa inaugural del Palacio de la Música y Congresos de Valencia, interpretada por Narciso Yepes y la Orquesta de Valencia bajo la dirección de Manuel Galduf, el 25 de abril de 1987.
Paco de Lucía interpretó la obra en 1991 en el Teatro Bulevar de Torrelodones con la Orquesta de Cadaqués dirigida por Edmon Colomer y con asesoría musical de José María Gallardo del Rey, en presencia del propio Rodrigo, que había dicho unos días antes «Estoy realmente encantado de que mi concierto se interprete el mayor número de veces posible, y me parece muy bien que se aborde en esta ocasión con un tratamiento tan distinto del clásico como es el del flamenco».
El adagio del Concierto de Aranjuez ha sido versionado por el clarinetista y compositor Jean-Christian Michel en el álbum Aranjuez, que ha tenido una distribución mundial con una tirada de 1.500.000 ejemplares. Jean-Christian Michel considera a este concierto como una de las cumbres de la segunda mitad del siglo XX y de la música contemporánea.
El 9 de junio de 2018, en Madrid, durante la gira de Queen y Adam Lambert por España, el guitarrista de Queen, Brian May, tocó una versión acortada del Concierto de Aranjuez haciéndoles un guiño a sus seguidores madrileños, y se sirvió de ello como introducción a la canción Love of my life, uno de los momentos culminantes del concierto.
El marquesado de los Jardines de Aranjuez es un título nobiliario español, creado el 30 de diciembre de 1991 por el rey Juan Carlos I de España, y otorgado al maestro Joaquín Rodrigo Vidre, por su contribución a la música española y su impulso para su proyección universal.
Joaquín Rodrigo Vidre, I marqués de los Jardines de Aranjuez(Sagunto, Valencia, 22 de noviembre de 1901-Madrid, 6 de julio de 1999), también conocido como el maestro Rodrigo, fue un compositor español.
